Un joven que nació de 6 meses, fue puesto en una incubadora sin control de oxígeno, que lo dejó ciego y autista.
Sin embargo, la otra mitad de su cerebro es una máquina musical super-sofisticada, que recuerda todo lo que escucha.
Cuando lo ponen delante de una orquesta y puede decir todas las notas que fueron tocadas simultáneamente.
Cuando escucha un tren arrancar, su oído absoluto nos dice qué nota va sonando.
No solo eso, ahora tiene la habilidad de improvisar sobre cualquier tema, y encima de eso lo puede transportar a cualquier tonalidad, inmediatamente, sin pensarlo dos veces.
Aquí encontré un video reciente de su profesor presentándolo frente a TED.
https://www.youtube.com/watch?v=3S1HK7LQY2I
Su interpretación de Art Tatum, otro músico cieguito, para quien "el mundo entero es un gran piano", es magistral.
En semanas anteriores encontré información sobre el profesor David Cope, de la Universidad de Santa Cruz, en California (UCSC), y me motivó tánto este tema que estuve alejado de este blog desde entonces.
El profesor Cope usa algoritmos interesantes para componer música nueva. Dice que cuando empezó, no sabía mucho sobre programación de computadores, (aunque toca el piano desde los 5 años) pero se motivó a aprender, y le tomó dos años escribir su programa.
Os invito a ver el documental en YouTube:
Esta especialidad de composición musical asistida por computador cae dentro de varias disciplinas, principalmente música y computación, y se vale de varias técnicas modernas de "Inteligencia Artificial" para lograr su objetivo.
Por supuesto, primero hay que entender sobre las reglas de armonía, contrapunto, forma musical, etc. También es preciso haber estudiado un poco de historia de la música (para saber identificar y catalogar los diferentes estilos) y haber estudiado algunas de las composiciones de los compositores más famosos (entre los que se destacan Bach, Mozart, y Beethoven, por sus innumerables y hermosas melodías).
Entre las técnicas que se utilizan están: algoritmos generativos, cadenas de Markov (autómatas probabilísticos), procesos estocásticos, algoritmos genéticos, probabilidad Bayesiana, caos y determinismo, autómatas celulares, redes neurales, redes de transición, teoría de gramáticas, fractals, y otras técnicas.
Para codificar las reglas, se pueden utilizar los lenguajes tradicionales de Inteligencia Artificial (LISP y Prolog), que son ideales para procesamiento simbólico, pero también se pueden utilizar lenguajes modernos, como Ruby o Python.
Dice el profesor Cope que estuvo metiendo "frases" de varios compositores en su base de datos, de manera que el programa puede componer piezas al estilo de Mozart, o al estilo de Vivaldi.
Los resultados son sorprendentes, tanto que ha logrado confundir a expertos especializados en algunos compositores.
Su primer programa se llamó "EMI" (Experiments in Music Intelligence). La versión actual, interactiva, se llama "Emily Howell", que es como una "persona": aprende escuchando a otros compositores, y luego genera música, a la que el profesor Cope le dice "sí", o "no", para ayudarle a componer. En Febrero de 2010 publicó un CD de música compuesta por Emily Howell, titulado "From Darkness, Light" ("Desde la Oscuridad, Luz").
Dice el profesor Cope que "composición musical es programación" y "programación es composición". Están íntimamente relacionados. Son procesos mentales que se pueden describir (formalizar) muy bien con matemáticas.
El trabajo del profesor Cope, y el programa "Emily Howell" ha sido recibido con reacciones diversas. Hay quienes dicen: "es la melodía más bonita que he escuchado un mucho tiempo". Mientras que otros salen corriendo y no quieren saber sobre esto ... quizás sea que tienen miedo que algún día una máquina los pueda reeemplazar. El hecho es que la composición musical, a través de los siglos, ha sido una actividad humana, a la que se le atribuyen elevadas virtudes, y muy apreciada. Pero también otro hecho es que, a medida que entendemos cómo funciona el cerebro, el proceso creativo, y a medida que desciframos el código musical, es bastante factible que las máquinas lleguen a poder hacerlo tan bien, o mejor que los humanos ... al final, tanto los humanos como las máquinas somos manipuladores de símbolos; nuestro hardware es químico, y el de las máquinas, semiconductor.
Recientemente presentaron un documental en el canal japonés internacional NHK World Premium, sobre la cantante de Okinawa, Rimi Natsukawa (夏川 りみ). Quiero compartiros esto, porque sé que muchos de vosotros, que visitáis este blog, sois músicos, y os gusta saber sobre varios géneros musicales que se escuchan alrededor del mundo.
La música de Rimi Natsukawa se clasifica normalmente dentro del género folklórico, o "Min-you" (民謡). En especial, la música de Okinawa es interesante, porque, siendo una isla remota japonesa, su estilo es bien diferente al que se escucha en la isla principal, Honshu. La gente de Okinawa es más "tropical", más alegre. Esto se refleja en los ritmos, y los instrumentos que usan. Las canciones normalmente se interpretan acompañadas con "Shamisen" (三味線), un instrumento de 3 cuerdas, no temperado, tocado con plectro. El ritmo lo siguen con "taiko" (太鼓), un tambor grande y profundo. Pero Rimi no se limita a estos instrumentos. Sus orquestaciones son bien modernas, y usan contrabajo, ukelele, piano, y otros instrumentos que le infunden variados "colores" a las interpretaciones.
A Rimi también le gusta cantar música Hawaiiana. Tal vez será porque el estilo hawaiiano es muy parecido al estilo de Okinawa. En Hawaii también hay muchos japoneses viviendo. Y ella, de alguna manera, con su estilo, satisface las necesidades comerciales de estos dos mercados. En la foto la vemos cantando con "Konishiki", un luchador de sumo, ya retirado, que fue popular en los 1980s.
Aquí os dejo a Rimi Natsukawa, cantando música de Okinawa con Misako Koja. El instrumento del fondo se llama "koto" (琴) (parecido a una mesa de planchar con cuerdas). El estilo de los kimonos es diferente al kimono tradicional de Japón; el de Okinawa es más ligero, y parece una mezcla de las culturas china y coreana:
Tod Machover, profesor de MIT, compositor, y especialista en electrónica, muestra cómo ha creado espacios e instrumentos nuevos e interactivos para crear música nueva.
Tod ha creado los hiper-instrumentos para artistas tales como Yoyoma y Prince, que multiplican sus habilidades interpretativas. La voz de un cello, por ejemplo, se puede convertir en una voz humana en la mitad de una interpretación.
La idea es poner sensores en el espacio, que interactúan con las personas, y robots, en movimiento, y están conectados a programas de ordenador que producen música con sentido de melodía y armonía.
Cualquiera debe poder hacer música, sumergirse en la experiencia.
Entre los instrumentos que nos muestran están los siguientes:
* robots cúbicos musicales, llamados "operabots";
* una biblioteca de libros virtuales que producen música e interactúan entre si;
* finalmente, conectan a una persona que sufre de parálisis cerebral a estos instrumentos, y nos da una interpretación bastante original.
Francisco "Pancho" Amat, es uno de los grandes maestros del tres cubano.
El tres es un instrumento originario de Cuba, de 6 cuerdas metálicas, organizadas en tres grupos de dos. De los tonos bajos hacia los altos, la afinación principal es en Do mayor: Sol, Do, Mi. Sin embargo, algunos treseros lo afinan en Re mayor: La, Re, Fa#.
Pancho nació en la provincia de la Habana en 1950, estudió música formalmente, y fundó el grupo Manguaré en 1971, el cual dirigió por 17 años, durante los cuales él y sus compatriotas sirvieron como embajadores culturales internacionales. En los días tempranos de Manguaré Amat estudió en Chile y colaboró con estrellas de la nueva canción tales como Víctor Jara, Inti-Illimani, Isabel Parra y Quilapayún. Después va a estudiar arreglo orquestal con el líder de la Orquesta Aragón, Rafael Lay, y logra elevar la interpretación del tres a un nuevo nivel aplicando la teoría y la técnica que ya había aprendido de los estilos clásicos, jazz y trova.
Amat también ha grabado y producido programas para televisión, y ha interpretado con muchos artistas famosos en varios países, incluyendo Adalberto Álvarez, Ry Cooder, Cubanísmo, Alfredo de la Fé, Oscar D'Leon, Cesaria Evora, Giovanni Hidalgo, Mongo Santamaría, Yomo Toro, Barbarito Torres, Dave Valentín, Chucho Valdés, Diego El Cigala, y Javier Colina.
Os invito a escuchar una interpretación de "Flor de Pantano", de Pancho Amat y su Cabildo del Son:
Estaba escuchando el CD de Pancho Amat con Javier Colina (bajista español), "Si Te Contara", y quedé bastante impresionado por su forma de hacer melodías, arpegios, acordes, y contra-melodías. Este CD me motivó a escribir esta nota.
Referencias:
"Capullito de Alelí", Pancho Amat, interpretación informal (YouTube)
"Flor de Pantano", Pancho Amat y su Cabildo del Son (YouTube)
"Mucho Corazón", Pancho Amat y su Cabildo del Son (YouTube) Pancho Amat, en programa de la TV Cubana (YouTube) Pancho Amat, en "National Geographic"
"The Cuban Tres", por Scott Cushman
El didgeridoo es el instrumento nacional de Australia, y proviene de la zona norte del país, de unos 2000 años de historia, usado en ceremonias shamanísticas de los aborígenes.
El nombre "didgeridoo" es una palabra onomatopéyica, (es decir, basada en el sonido que hace) de invención occidental. En realidad, cada tribu local le tiene un nombre diferente.
Dicen que el didgeridoo tiene poderes terapéuticos. Por tratarse de un instrumento musical largo, se requiere especial cuidado para respirar y poder producir el sonido, que debe vibrar en los labios, y ser continuo. Es una técnica especial que se aprende, llamada "circular breathing", y si no se hace apropiadamente, se marea el intérprete. Se produce una resonancia, repetitiva, de baja frecuencia que puede afectar las mismas vibraciones del cuerpo.
Todo eso, en conjunto, ayuda a la persona a relajarse y a que su mente entre en un estado semi-hipnótico, como de sueño y trance (ondas alfa y theta, que facilitan la creatividad). El efecto es algo parecido al rezo de los mantras tibetanos.
Las ondas de sonido del didgeridoo producen vaso-dilatación y relajamiento en los músculos del cuerpo del oyente. El rango de frecuencias está por lo bajo, cerca del infra-sonido (opuesto al ultra-sonido).
Por otro lado está la ceremonia shamanística, que cree que todo animal o cosa tiene un espíritu. Hoy está de moda, con los movimientos "new age", y con la famosa "era de Acuario". Una de las cualidades notables de los aborígenes es que admiten ser parte del planeta, no dueños ajenos a él, como suelen creer las civilizaciones occidentales.
Hay quienes afirman que el didgeridoo también ayuda a las personas que sufren de apnea y ronquidos (snoring). En este caso, el arte de la interpretación del instrumento, el "circular breathing", ayuda al paciente a mejorar su sistema respiratorio.
Al maestro José Antonio Abreu, de Venezuela le acaban de otorgar el premio TED (Tecnología, Entretenimiento, y Diseño), por su trabajo de más de 30 años educando muchachos de barrios pobres en la música clásica.
"El Sistema" de educación musical venezolano está formando a más de 300,000 niños por toda Venezuela, y hasta han recibido ovación entre los públicos de numerosos países que han visitado.
"Esa disciplina forma un espíritu de solidaridad, desarrolla auto-estima y espíritu ético y estético de la música. Se despierta la sensibilidad, se forjan valores, se entrenan y comparten esos valores."
Entre los éxitos del "Sistema", Edicson Ruiz, famoso contrabajista que es ahora miembro de la Filarmónica de Berlín. También Gustavo Dudamel, que es ahora director nacional de las orquesta de jóvenes de Venezuela, y director de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles.
Les invito a escuchar el discurso del maestro Abreu, que deben tener en cuenta todos los líderes culturales del mundo.
El trabajo del maestro Abreu, y de las miles de personas involucradas en el proyecto "El Sistema" venezolano, es una respuesta a esa crisis moral que está sufriendo el mundo. Es un ejemplo para el mundo entero.
El "choro" ("o chôro", en portugués) es un género musical brasileño, originado en Río de Janeiro, con bases en la música europea que trajeron los inmigrantes en el siglo 19 (polkas, valses, impresionismo, romanticismo), y también con elementos de jazz.
El choro se interpreta con bandolim (mandolina brasilera), cavaquinho (instrumento de 4 cuerdas), guitarra de 6 cuerdas ("violão"), guitarra de 7 cuerdas ("o sete cordas"), pandereta ("o pandeiro"), y ocasionalmente con otros instrumentos (piano, flauta, violín, clarinete, etc).
Aquí les ofrezco un choro impecablemente interpretado por una familia de músicos aficionados:
(Los enlaces siguientes son a videos en YouTube; por favor no se los pierdan)
Para difundir este género, en Brazil se acostumbran las famosas "rodas de choro", tertulias musicales donde participan aprendices y maestros. Las rodas ocurren en casas particulares, en bares, en restaurantes, o en parques públicos, donde se reúnen vecinos y amigos. En las rodas se aprende a acompañar y a improvisar; es donde los instrumentos verdaderamente se entretejen en un diálogo de melodía y armonía.
Para los guitarristas, recomiendo especialmente los videos didácticos hechos por el excelente guitarrista OvidioV en YouTube, y tampoco se pierdan las interpretaciones de Yamandú Costa, también en YouTube.
A los interesados en este género, les invito a que se consigan el DVD "Brasileirinho", película documental de Mika Kaurismaki, que presenta este género musical y sus intérpretes, de una manera fresca y llena de vida.
A los que quieran profundizar más en la historia de este estilo musical, les invito a que lean el libro "Choro: A Social History of a Brazilian Popular Music", de Tamara Livingston-Isenhour y Thomas Caracas Garcia, en Amazon.
Y finalmente, a los que les gusta escuchar música, les recomiendo el blog "Umquetenha" donde encontrarán muchos de los clásicos e intérpretes del choro mencionados arriba.
Brazil es una potencia mundial en composiciones musicales e intérpretes. Así que estaremos hablando sobre ellos por mucho tiempo.
Muito bom !!! Agora, deixe-me ouvir esta música boa !!!
La música árabe requiere un oído especial, pues usualmente utiliza escalas diferentes de la música occidental, y las introducciones y conclusiones de las canciones parecen inesperadas.
Pero una de las cosas más bonitas de este tipo de música es el control que tienen los cantantes sobre sus voces, un control al que no se le igualan las voces occidentales; quizás el flamenco es lo único que se le parece en el uso de esas decoraciones vocales conocidas como "melismas".
Un ejemplo, es ese tipo de tema llamado "Al Mawal", que es como un lamento, donde el cantante se logra expresar con bastante sentimiento. Tiene mucho de poesía, improvización, y oración. Aquí les invito a que vean un ejemplo, de tres cantantes famosos (una voz masculina y dos voces femeninas):
Hassi Halani, Rowaida Hatie, Amani Swissi
Les gustó? Bueno, así que he seguido investigando sobre las cantantes árabes más populares del momento, y he ido creando la siguiente lista, que les invito a explorar:
Me encontré este documental a cinco partes en YouTube, que quiero compartirles.
Se trata de un muchacho llamado Derek Paravicini, de Inglaterra. Nació sietemesino, lo pusieron en una máquina incubadora con demasiado oxígeno que lo dejó ciego, y le dañó partes del cerebro. Sin embargo, desde su niñez desarrolló una obsesión por la música, y con la ayuda de profesores, y su super-cerebro musical, es hoy uno de los genios más brillantes que existen sobre música. Sabe de memoria más de tres mil melodías que solamente escuchó una sola vez. Tiene un oído absoluto que te puede decir hasta en qué nota está sonando la máquina de un tren. Puede identificar más de 10 notas cuando se tocan simultáneamente [la mayoría del resto de nosotros solamente podemos identificar 3, y máximo 4]. Además, tiene el don de la improvización y la creatividad. Puede tocar, por ejemplo, "Para Elisa", de Beethoven, al estilo de Mozart. Investigadores, psicólogos y psiquiatras están estudiando a Derek para tratar de entender los mecanismos internos de su maravilloso cerebro.
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